Afriscope

Cinéma génération guérilla

Olivier Barlet — 2012-05-15T15:18:37Z

Du 16 au 27 mai, Cannes tend le tapis rouge. Faut-il être à Cannes pour être visible ? Afriscope a enquêté pour savoir comment les jeunes réalisateurs arrivent à émerger et pour quel type de cinéma. Et rencontré aussi Diana Gaye, Malek Bensmail et Philippe Lacôte qui seront sur la Croisette pour rencontrer des professionnels susceptibles de soutenir leurs projets de long métrage.

Pendant près d'un siècle, c'est le cinéma qui a forgé les imaginaires. Puis la télévision a pris le dessus. Aujourd'hui, les écrans se démultiplient, mais plus l'image est partout, plus elle tend à l'identique : le seul modèle consommatoire étendu à l'infini. Pour ne pas gêner le succès du spectacle généralisé, la diversité est gommée ou mise en clichés. Les Noirs sont invisibilisés et les Arabes stigmatisés.

Diversité

C'est pourtant dans sa diversité que la France qui bouge trouve l'énergie de se rêver. De jeunes cinéastes apparaissent, qui n'attendent plus qu'on les écoute : ils se saisissent de la caméra. Plutôt que de se laisser enfermer dans des stéréotypes, ils se prennent eux-mêmes comme sujet. Ils n'attendent plus les financements : ils filment avec rien ou pas grand-chose, en guérilla. Ils ne se pensent plus comme victimes : ils s'assument par eux-mêmes, autonomes. Ils se moquent des clichés, qu'ils tournent en dérision. Pour eux, la diversité n'est même plus une revendication : c'est un vécu. Ce n'est pas s'isoler à part, mais tout simplement être ensemble.

Liberté

Il faut voir Donoma. Tout y est spontané mais ce n'est pas un film en l'air. Il est issu d'un long travail d'improvisation, sous la houlette d'un véritable auteur, Djinn Carrénard, qui a une vision à transmettre. La liberté que respire ce film n'est pas seulement dans son langage débridé, dans son humour ravageur, dans l'originalité de ses prises de vues. Elle est aussi dans sa diversité joyeuse, où la couleur de peau existe mais n'est plus un obstacle, où les imaginaires se confrontent mais s'écoutent. Ce film fragmenté devient une expérience moderne, celle d'une société qui s'assume dans ce qu'elle est, au lieu de craindre et renier sans cesse sa pluralité.

C'est alors que le cinéma est une arme, non pour dénoncer ou convaincre mais pour se dire en images, et opérer ainsi une coalition solidaire entre ceux qui font le choix de la vie, une coalition des vivants. « Ceux qui peuvent encore rêver ne dorment plus », dit le vidéaste Mounir Fatmi. Les cinéastes de cette nouvelle génération manient l'inquiétude et l'incertitude pour s'opposer aux idées reçues, à la recherche de tous ceux qui refusent l'uniformisation.

Conscience de soi

Ce n'est plus dès lors seulement dans les circuits traditionnels de diffusion que l'on trouve ces films, mais aussi dans des lieux improbables : les foyers, les quartiers, les associations, les télés alternatives, les festivals reculés, les salles engagées. Lorsque l'équipe de Donoma a loué un car pour faire une tournée avec leur film, ils ont rencontré et partagé ces dynamiques, et ce fut la fête ! C'est alors que se forge la conscience de soi nécessaire pour faire tomber les hiérarchies et les barrières qui se dressent quand on est enfermé dans une racialisation culturelle. Car dans cette France postcoloniale, rien ne sert d'attendre sa liberté, il faut la prendre.

Malek Bensmaïl, les Odysseys d'un documentariste

Samir Ardjoum — 2012-05-15T15:18:36Z

Le documentaire est l'arme d'expression par excellence de Malek Bensmaïl. Le réalisateur algérien s'en saisit pour raconter l'Algérie politique et sociale. Avec Odysseys, il propose à l'Atelier de la Cinéfondation du Festival de Cannes un périple de l'Algérie… au Japon.

Un film de Malek Bensmaïl est toujours attendu. Documentariste algérien, auteur d'une filmographie où il questionne un dérèglement sociétal qui perdure depuis 1962 (Aliénations, Algérie(s), La Chine est encore loin), Bensmaïl tente de cerner les enjeux de son pays, par le prisme du territoire. Recoller les morceaux d'un puzzle nommé Algérie. Vouloir comprendre les contours intimes, politiques, sociologiques et historiques de sa terre d'origine. Tel est le sacerdoce de ce réalisateur qui revendique des appartenances multiples.

Raconter l'Algérie

« J'aime bien l'idée de travailler sur des territoires différents pour exploser, exposer et travailler les choses. En Algérie, rien n'a été filmé encore. Beaucoup de strates, de territoires cinématographiques vierges, de géographies invisibles, de personnages n'ont pas été encore dessinés, de témoins non enregistrés dans le cinéma algérien,. L'Algérie me permet un tel espace-mémoire à capter ! Dans le registre du documentaire, c'est encore plus conséquent. Le réel est peu travaillé en Algérie alors que l'écriture dans le documentaire est plus forte que dans la fiction car elle n'a pas de limites. »

Durant les années 2000, le réalisateur, installé désormais en France, s'est illustré par nombre de documentaires politiques, attisant les foudres du régime en place, tel que Le Grand Jeu (2004), sur la campagne présidentielle algérienne, toujours censuré à l'heure actuelle des deux côtés de la Méditerranée. C'est naturellement un documentaire qui est sélectionné par l'Atelier de la Cinéfondation du Festival de Cannes cette année. à l'instar de nombre de ses films, l'intitulé du projet s'écrit au pluriel Odysseys (Périples). « Il s'agit de montrer la pluralité des voix qui existent en Algérie, précise-t-il. Odysseys (Périples) réunira des acteurs algériens et japonais. L'histoire sera un périple extraordinaire entre le Japon, le monde arabe et l'Algérie, au fil d'un siècle d'histoire. Il y sera question de la catastrophe nucléaire et du printemps arabe ».

Algérie, Japon... Cannes

Un projet qu'il développe depuis plus de deux ans pour l'écriture, le repérage et le développement. « Ces phases ont été soutenues par Abu Dhabi film festival (SANAD), l'AFAC (Fonds Arabe pour la Culture), le Japon, et le Centre National du Cinéma (CNC) français. J'attends de cet atelier cannois des rendez-vous forts, pour faire progresser le financement du projet avec des fonds, je l'espère, de l'Algérie, du Japon, de la France, de l'Europe et des pays du Moyen Orient. L'histoire du film s'y prête à merveille. »

Quand on le questionne sur l'apport de Cinéfondation pour son projet, Bensmaïl est à l'image de ses films, frontal : « Odysseys (Périples) est un projet ambitieux qui a besoin de réunir un certain nombre de partenaires financiers et de coproducteurs d'envergure pour pouvoir boucler son budget. Cannes est le festival idéal pour lancer le film ». Il ne nous reste donc plus qu'à patienter... jusqu'à la sortie du film.

Malek Bensmail en 5 dates :

1966 : Naissance en Algérie. / 1996 : Territoire(s), documentaire primé à Montréal et à Porto. / 2003 à 2012 : Réalise des documentaires politiques : Algérie(s), Le Grand Jeu, Guerres secrètes du FLN en France… / 2004 : Aliénations, documentaire sur la psychiatrie, primé à Paris et au Fespaco. / 2012 : Odysseys, sélectionné à la Cinéfondation du festival de Cannes.

Dyana Gaye, une « étoile » transnationale

Julien Le Gros — 2012-05-15T15:18:35Z

Dyana Gaye s'est fait connaître avec un beau succès : une comédie musicale qui transposait l'univers de Jacques Demy... dans un car rapide entre Dakar et Saint-Louis du Sénégal. Après Un transport en commun, cette réalisatrice, qui cartonne sans se la jouer, travaille sur un premier long métrage : Des étoiles dont le scénario est sélectionné pour l'Atelier du festival de Cannes cette année.

A l'instar du titre de son prochain film Des étoiles, la rêveuse Dyana Gaye, 37 ans, a le regard qui brille dès qu'elle évoque le septième art. Cinéphile, férue de John Cassavetes, de David Lynch, des comédies musicales hollywoodiennes, ou encore de Djibril Diop Mambety, elle puise son inspiration dans ses racines sénégalaises. Si elle a grandi en France, c'est dans son pays d'origine qu'elle se sent le plus épanouie pour créer. Son univers est aux antipodes de certains films stéréotypés sur l'Afrique : « J'appelle ça des “films calebasse” ironise Dyana, avec un côté folklorique. Dakar est une ville moderne. On n'y égorge pas des poulets à chaque coin de rue ! » Chacun de ses films questionne sa double identité franco-sénégalaise : « J'ai toujours le sentiment d'être entre-deux ». Ils abordent aussi le thème de l'exil : « C'est au cœur de ma démarche depuis mon premier film. Je me suis demandée ce que l'on emporte avec soi dans l'exil. L'espèce de solitude que cela implique. J'aime ce décalage entre ce qu'on vit et ce qu'on raconte. »

Parcours croisés

Après quatre courts-métrages ou moyens métrages avec comme point d'orgue le Sénégal, pays de la Téranga (« hospitalité » en langue wolof), Dyana s'est lancée un défi ambitieux avec Des étoiles : un long-métrage à tourner entre Turin, New York et Dakar. « Je voulais, explique la réalisatrice, travailler sur le thème de la correspondance entre un exilé et son pays d'origine. Suivre le parcours de migrants ayant tous un lien les uns avec les autres mais dans des villes séparées et à des stades différents. »

Ainsi la caméra de Dyana nous fera découvrir trois personnages aux destins croisés : « Une sénégalaise primo-arrivante qui vient retrouver son mari en Italie. Le film observe sa reconstruction dans un territoire inconnu. Tandis qu'à New York, son mari Abdoulaye qui a dû passer par un réseau de passeurs, cherche du travail. Enfin la tante de la jeune fille quitte New York, après 35 ans de résidence, pour enterrer son mari à Dakar. Elle redécouvre son pays avec son fils... qui n'a jamais mis les pieds au Sénégal. »

Des étoiles à Cannes

Pour porter un tel projet, il faut des moyens ! Il y a dix ans, Dyana Gaye s'est associée avec deux amis cinéastes, Arnaud Dommerc et Marie Balmelle, pour fonder une société de production : Andolfi. S'ils ont obtenu l'avance sur recettes [1], le financement n'est pas encore finalisé. Mais le scénario est sélectionné par l'Atelier du Festival de Cannes [2]cette année. L'occasion d'obtenir un coup de pouce des professionnels avant le tournage, prévu à l'hiver prochain. Et la réalisatrice ne compte pas s'arrêter en si bon chemin. Sa comédie musicale Un transport en commun doit faire l'objet d'une adaptation au théâtre du Châtelet pour la saison 2013-2014.

[1] Aide attribuée par le Centre national de Cinéma pour soutenir des projets de long-métrage originaux.

[2] Créé en 2005 l'atelier de la Cinéfondation encourage quinze projets de long-métrages en mettant leurs réalisateurs en contact avec des professionnels dans le cadre du festival de Cannes.

Dyana Gaye en 5 dates :

1975 : Naissance à Paris. / 2000 : Premier court-métrage Une femme pour Souleymane / 2007 : Deweneti reçoit le prix du jury du Festival international du film de Clermont-Ferrand. / 2009 : Un transport en commun est nominé aux Césars du meilleur court-métrage. / 2012 : Des étoiles est sélectionné à la Cinéfondation du festival de Cannes.

Philippe Lacôte filme la Côte d'Ivoire

Samir Ardjoum — 2012-05-15T15:18:33Z

Maniant aussi bien la fiction que le documentaire, le franco-ivoirien Philippe Lacôte est sélectionné pour l'Atelier Cinéfondation du festival de Cannes sur un projet à la frontière entre les deux genres. Intitulé Run, il retrace l'histoire tourmentée de la Côte d'Ivoire à travers le destin d'un jeune homme.

Il s'appelle Philippe Lacôte, réalisateur franco-ivoirien et son dernier projet cinématographique, Run, est sélectionné pour l'Atelier Cinéfondation du festival de Cannes : « C'est un honneur pour moi de représenter la Côte d'Ivoire à Cannes. C'est le résultat d'un long travail que nous menons avec ma productrice Claire Gadéa et de la rencontre avec Georges Goldenstern, le directeur de la Cinéfondation. Il a découvert le projet Run au festival international du film d'Amiens. »

Inspiré et libre

Philippe Lacôte, cinéphile, cinéaste, tient des propos que l'on aimerait voir associé à tous ceux qui tentent inlassablement de graver leurs intentions sur la pellicule : « Il y a beaucoup de réalisateurs que j'aime. C'est difficile d'en citer un. Je peux aimer un cinéaste pour un plan ou une phrase. J'aime notamment John Cassavettes pour la manière dont ses personnages entrent dans le champ. Ils semblent poussés vers le vertige. Mais le réalisateur qui m'a accompagné le plus ces dernières années par ses films et ses écrits, c'est Andréï Tarkovski. »

Il affirme par ailleurs sa liberté de ton : « En filmant, je ne cherche pas à ressembler à tel ou tel cinéaste, je cherche ma propre écriture. Tout ce que je peux dire, c'est que je ne suis pas un classique. J'aime la complexité, les récits déstructurés, les personnages avec des failles, les chocs entre images et sons. »

Run est un projet ambitieux, qui s'inscrit dans une envie délibérée de convoquer pleinement les possibilités infinies du cinéma. « C'est l'histoire d'un jeune homme dont la vie est construite autour de trois courses. à travers sa trajectoire emblématique, je raconte les 20 dernières années de l'histoire tourmentée de la Côte d'Ivoire ». Impossible d'en dire davantage pour le moment, « secret de scénario » oblige.

Du journalisme au cinéma

D'où vient Lacôte ? « Je ne viens pas d'une école de cinéma. Je me suis retrouvé reporter radio au pied du mur de Berlin pour une radio libre. Par la suite, le cinéma est devenu une évidence. J'ai été projectionniste, assistant de production, tout en réalisant mes premiers courts métrages. Depuis 2002, je filme aussi seul, d'une manière plus documentaire. Je reviens d'Egypte, où j'ai fait un état des lieux de la révolution de la Place Tahrir. Pour moi, la fiction et le documentaire sont deux tempos d'un même mouvement. Intérieur et Extérieur. »

Après une fiction (Le Passeur) et un documentaire (Chroniques de guerre en Côte d'Ivoire), Lacôte renoue avec une envie militante et politique. L'idée est de comprendre le monde dans lequel on évolue ou l'on régresse, à travers le prisme du cinéma. Est-ce que cet art peut se rendre encore utile dans la captation de l'histoire en mouvement ? A-t-il encore la force et le langage nécessaires pour attraper au vol le regard d'un cinéaste ? Avec Run, ce sera un carnet de bord qui permettra sûrement et posément à Philippe Lacôte de percevoir sa place d'artiste au sein d'un pays tourmenté. A suivre !

Philippe Lacôte en 5 dates :

1969 : Naissance en Côte d'Ivoire. / 1989 à 1992 : Reporter Radio à Toulouse. / 2006 : Le Passeur sélectionné au festival international du film de Rotterdam en 2007 / 2008 : Chroniques de guerre sélectionné à Montréal. / 2012 : Son projet Run sélectionné à la Cinéfondation du festival de Cannes.

Jean-Pascal Zadi, l'ovni Hip-Hop

Claire Diao — 2012-05-15T15:18:32Z

L'urgence de la création est la marque de fabrique des réalisateurs indépendants. Jean-Pascal Zadi (JP), 32 ans, fait figure d'ovni dans le milieu du cinéma. Adepte du « faire soi-même », issu du milieu du rap, il vend ses films en DVD et connaît un franc succès.

« Dans le milieu du cinéma, les décideurs ne nous ont jamais parlé et nos grands frères se sont mis de côté. C'est difficile d'y entrer », affirme Jean-Pascal Zadi, surnommé JP. Né à Bondy en 1980, il déménage à Caen avec sa famille à l'âge de 5 ans. De ses parents ivoiriens, il hérite de la conscience du poids de l'histoire des rapports sociaux entre Noirs et Blancs. Inspirés par son vécu et celui de son entourage, ses films abordent tous « la situation de l'Afrique, les Noirs de France, les sans-papiers, la violence ». Les bancs de l'école le mènent jusqu'au bac littéraire (« pour les filles ») puis à un Deug d'économie. Inscrit au renommé cours d'art dramatique parisien, le Cours Simon, JP n'y reste que deux semaines : il veut interpréter Molière, on lui rétorque qu'il ne sera pas crédible.

Du rap au cinéma

« Je me revendique hip-hop à 200%. Ce que j'ai appris dans le rap, je le fais dans le cinéma. » Entreprendre avant tout, créer avec rien, JP se réjouit que ce mouvement suscite autant de vocations : « S'il n'y avait pas de rap, il y aurait deux fois plus de délinquance ». Après avoir réalisé des clips, il passe au cinéma en 2004. Visionnaire, son premier documentaire Des halls aux bacs retrace le parcours de rappeurs indépendants désormais reconnus (Sefyu, Youssoupha, Seth Gueko…).

Véritable ovni dans son entourage, où être réalisateur n'est pas considéré comme un métier, JP réalise en 2008 son premier long métrage de fiction, Cramé, auto-produit avec 5 000 €. Il écoule dans la foulée dans les Fnac 4 000 DVD. Deux ans plus tard, African Gangster, coproduit avec le rappeur Alpha 2.0 pour 20 000 €, se vend à 10 000 exemplaires.

Vivre du cinéma

En 2011, le long-métrage Sans pudeur ni morale est réalisé avec 5 000 € et quelques invités de choix, dont Thomas N'Gijol, Fabrice Eboué, Mokobé, et Alibi Montana. Vendu à 3 000 exemplaires, le film lui ouvre de nouvelles portes. Double page dans le quotidien Libération, écriture d'un long-métrage avec le rappeur Rohff et l'acteur Saïd Taghmaoui - repéré dans La Haine de Mathieu Kassovitz- et série télévisée en pourparler avec France Télévisions.

« Le plus important n'est pas que Les Cahiers du Cinéma écrivent sur nous mais que mon public soit au courant. Et comme il ne lit pas Les Cahiers… » Sans illusion sur l'industrie du cinéma, JP estime que « depuis que les producteurs ne mettent plus d'argent de leur poche, il y a beaucoup de navets ». Comme dans le rap, il affirme que ce sont ceux qui ont des choses à dire qui pourront durer. Si les producteurs commencent à s'intéresser à la banlieue, c'est parce qu'il y a un marché. Et se souvient que dans son enfance, « les histoires de Blanc, de Paname, ça nous paraissait loin ». JP conclue que si des gens vivent du cinéma, il faut que ses « frères » s'y intéressent et prennent leur part. Parce qu'ils y ont droit.

Jean-Pascal Zadi en 5 dates :

1980 : Naissance à Bondy (93) / 2003 : Des halls aux bacs / 2004 : Cramé / 2006 : African Gangster/ 2011 : Sans pudeur ni morale avec Thomas N'Gijol, Fabrice Eboué, Mokobé (113), Shone (GhettoFab), Alibi Montana.

Le « cinéma guerrilla » selon Djinn Carrénard

Olivier Barlet — 2012-05-15T15:18:16Z

En 2009, Djinn Carrénard parie sur la réalisation d'un long métrage sans budget. Après avoir fait le buzz sur Internet, Donoma est sélectionné à Cannes puis projeté dans les salles suite à une tournée promotionnelle emmenant tous les comédiens dans un bus à travers la France. Retour sur cette aventure de guérilla filmmaking à l'heure où Djinn Carrénard prépare un nouveau film de manière très différente.

Donoma, c'est l'histoire d'un film « guerilla » avec 150 € de budget, qui a buzzé sur Internet et qui a finalement été sélectionné à Cannes…

Cannes a permis une exposition internationale [1]. Cette sélection nous a aidés à opérer une transition entre le moment de la marginalité et une stratégie de sortie : ce fut un déclic pour entrer dans l'univers du cinéma. On a pu poser toutes nos questions pour savoir ce qu'était un distributeur et ce qu'il fallait faire. Une sélection ailleurs nous aurait sans doute trop exposés alors qu'on n'y était pas préparé.

Toute l'équipe du film s'est ensuite mobilisée pour partir en tournée en bus pour sa promotion : par quel miracle ?

J'avais d'entrée proposé qu'on place l'amusement après le travail. On est partis dans l'estime avant l'affinité. De vrais atomes crochus se sont créés à travers l'effort permanent de tous où chacun apportait sa pierre. Après l'énorme coup de collier de la soirée organisée pour montrer le film au Grand Rex, la tournée a été vécue comme notre premier moment de détente, une espèce de récompense.

Au départ, il n'y a pas d'argent avec l'espoir de se partager les éventuels revenus du film. Est-ce que le succès du film a été source de tensions ?

J'ai toujours anticipé : à chaque rentrée d'argent prévue, on s'est réuni. La grande source de revenu du film était l'achat télé, les autres recettes allant plutôt à rembourser le bus ou ce genre de choses. Quand on a obtenu une avance sur l'achat, je leur ai proposé de se mobiliser pour trouver quelqu'un qui puisse le gérer. Cela a vite été réglé et les premiers versements ont pu avoir lieu.

La transparence était donc la clef du bon fonctionnement des choses.

Voilà. Quand on a décidé de ne pas prendre un distributeur, on l'a étudié ensemble. Je n'irais pas jusqu'à dire que la décision était collective : je suis trop despotique pour ça ! Mais il y a toujours eu une réunion avant de prendre la décision.

Pourquoi vouliez-vous rester indépendants jusqu'au bout ?

J'avais des critères artistiques et je ne voulais pas couper quelqu'un au montage s'il avait bien joué. La longueur du film qui empêche de faire le nombre normal de séances n'était pas pour moi un critère suffisant. La seule façon de maîtriser le processus était de le faire nous-mêmes. Les expositions médiatiques ne nous intéressaient pas si on n'y perdait de nous-mêmes. Il y a plein d'éléments dans le film avec un côté choc qui aurait fonctionné pour la promotion. On ne voulait pas les mettre spécialement en avant. On voulait que les gens aient confiance dans le film sans devoir les racoler.

Vous avez passé le cap des 30 000 entrées en salle, c'est honnête, mais ce ne fut pas non plus un succès phénoménal...

Non, mais les chaînes et le milieu ont compris qu'on était capable d'avoir une solide couverture médiatique. De plus, nous sommes sortis à un moment très difficile : le chiffre n'était pas nul. Ils se sont dit que si sans expérience, avec nos flyers photocopiés, on était arrivé à ce résultat, il y avait un réel potentiel.

Faire son trou avec des moyens promotionnels différents, c'est quand même une énergie folle. On ne peut pas recommencer à chaque film, sinon on meurt jeune, non ?

C'est clair, il faut pouvoir se reposer ! Mais la distribution m'a énormément intéressé et amusé. Je me suis rendu compte qu'une vision artistique sans vision économique était lettre morte. Quand on essuie un échec, on sait pourquoi. Une réussite artistique est très relative : le goût est très indéfini. Mais la distribution, c'est un jeu où on va gagner avec des atouts. J'ai envie de m'y refrotter avec plus de moyens. On avait une série d'idées qu'on n'a pas pu financer.

Et si tu avais des conseils à donner aux jeunes, quels seraient-ils ?

De ne laisser dominer que l'artistique dans la partie production, et ensuite de ne pas mépriser le côté marketing car il est salutaire que les artistes s'y frottent. On peut tirer vers quelque chose de très saltimbanque et le cinéma en sortira grandi. Ce n'est pas parce qu'on a fait un film qu'on doit être sur un piédestal.

Autour de quoi tourne ton projet actuel ?

C'est l'histoire d'un musicien qui est en train de perdre l'ouïe. Il a eu un gros moment de succès dans sa vie. Appartement et compagne correspondent à ça, mais il rencontre une jeune femme qui sort de prison. Il est entre cette vie de succès et une vie de futur faite de déclin, et se demande ce que son art va devenir. Le succès est trop souvent confondu avec l'art.

Et donc, tu as désormais tout le système de production « normal ».

J'essaye de me construire un environnement où je n'aurai pas à passer de Donoma à quelque chose de très encadré. Ce n'est pas évident pour la prod', mais on va trouver un terrain d'entente ! Il t'a donc cette fois fallu partir d'un scénario bien construit pour les financements. Oui, que j'ai déconstruit ensuite pour écrire ce que je voulais vraiment tourner. La base est commune mais le traitement évolue sans cesse. Avec un tournage démarré le 23 avril 2012, le film devrait être prêt pour le début 2013.

[1] Donoma a été sélection par l'Association du cinéma indépendant pour sa diffusion (ACID) en 2010.

Donoma, le film

Sorti en novembre 2011 dans les salles de cinéma, Donoma (signifiant « Le jour est là ») croise les vies de trois femmes. Une enseignante s'engage dans une relation ambiguë avec le cancre de sa classe de lycée ; une jeune femme déçue en amour décide de sortir avec le premier venu ; la dernière histoire met en scène une jeune fille agnostique qui rencontre un jeune homme un peu marginal et très croyant. Retrouvez la critique de Donoma et l'interview complète de Djinn Carrénard sur africultures.com. Plus d'infos : donoma.fr

Où revoir Donoma

Donoma sera diffusé le 25 juillet prochain en soirée d'ouverture de la 22eme édition du Cinéma en plein air au Parc de la Villette (Paris 19e). Plus d'info : villette.com

Les assos font leur cinéma

Claire Diao — 2012-05-15T15:17:58Z

En marge de l'industrie cinématographique traditionnelle et du show-business, de nombreuses associations s'activent pour démocratiser l'accès au cinéma et la création dans les quartiers populaires. Petit tour d'horizon d'initiatives franciliennes.

Les associations de quartier tentent de démocratiser le septième art. Majoritairement produits par des sociétés de production bien installées dans le centre de Paris, les films français représentent peu la réalité des quartiers populaires.

Alors que la diversité perce cependant progressivement les écrans, l'État soutient plusieurs dispositifs d'appui importants : Passeurs d'Images, dispositif national d'éducation à l'image, le Fonds Images de la Diversité, créé en 2007 et géré par l'Agence pour la cohésion sociale et l'égalité des chances (ACSE).

Les 1000 visages de la France

C'est sur la base de ce constat qu'Eiji Leno et Uda Benyamina ont créé en 2006 l'association 1000 Visages à Viry-Châtillon (91). Refusant que le cinéma français « demeure le véhicule implicite des stéréotypes et des stigmates plaqués sur la banlieue », l'association encourage la réalisation de courts et longs-métrages citoyens dans les quartiers populaires mais aussi dans les pays du pourtour méditerranéen avec des ateliers à Ouarzazate (Maroc) notamment. Partant du fait que « les arts cinématographiques et audiovisuels de masse sont très loin d'incarner un modèle de diversité », l'association réunit une salariée, 3 volontaires et 25 bénévoles autour de jeunes confrontés à ce « plafond de verre » qui limite leur accès aux métiers du cinéma. « Nous avons décidé d'insuffler une dynamique plus ouverte et plus démocratique au cinéma français afin qu'il soit représentatif des 1000 visages et des 1000 compétences de la France d'aujourd'hui », explique la chargée de mission Sandrine Barrucand.

Pour preuve, la projection de l'un de leur film durant le prochain Festival de Cannes marque l'entrée de ces jeunes dans le monde professionnel du septième art. « Je n'aurai jamais imaginé aller à Cannes. Maintenant je me dis « pourquoi pas ? ». Heureusement qu'il y a des associations comme celles-là qui nous disent que c'est possible ! », témoigne Jessica, 18 ans, engagée dans l'association 1000 visages depuis 5 ans. « J'appréhende tout de même un peu cet évènement et me demande, comment va être perçu notre film », continue-t-elle.

Faire parler les jeunes

« Les initiatives associatives ont un sens si elles n'essaient pas d'imiter le cinéma commercial. Celui-ci enferme dans une perception stéréotypée de la réalité et nous n'aurons jamais les mêmes moyens ! » insiste Jérôme Polidor, formateur au sein de l'association Les Engraineurs à Pantin (93). Fondée par Boris Seguin, professeur de français, et Julien Sicard, producteur, l'association est née en 1997 dans la cité des Courtillières à la suite d'un tournage. Fonctionnant avec trois salariés et une douzaine de bénévoles, elle implique des 10-25 ans dans toutes les étapes de fabrication de films documentaires, fictions ou sketchs. Avec plus d'une soixantaine de films à son actif, Les Engraineurs fait émerger la parole des jeunes en France comme à l'étranger et propose des oeuvres à l'image de ses participants : multiculturelles. Un défi dans un pays où les comédiens noirs sont encore incontestablement cantonnés dans des stéréotypes comme en témoigne le rôle de Omar Sy dans Intouchables. Sans concession sur ce sujet, Jérôme Polidor affirme que le cinéma français est aujourd'hui « économiquement dominé par une élite satisfaite d'elle-même ; artistiquement centrée sur les destins individuels, l'intime, la psychologie ; formellement formatée par les contraintes télévisuelles et publicitaires et politiquement affaiblie, accompagnant l'accroissement des inégalités sans véritable combat et sans grand espoir ».

« Filmer la banlieue »

Ce grand espoir, les banlieues françaises le représentent. Mais parce que leur jeunesse ne se projette pas dans les métiers du cinéma et que le milieu professionnel craint de s'ouvrir à l'Autre, un fossé grandissant se creuse entre le cinéma français et son public de banlieue.

Si des producteurs tels que Luc Besson (La planque d'Akim Isker), Gregory Bernard (Faire l'amour de Djinn Carrénard) ou Nicolas Blanc (La cité rose de Julien Abraham) commencent à soutenir de jeunes auteurs, le chemin à parcourir reste encore long. En cela, les structures associatives permettent « de raconter et de se raconter sans passer par une lourde machine et en interrogeant la fabrication des images qui peuvent manipuler », explique Karen Fichelson, fondatrice de la compagnie Le Masque Calao. Fondée en 2002 à Villejuif (94), cette structure allie cinéma et théâtre et réalise depuis 2009 des courts-métrages collectifs avec des 18-22 ans. En 2011, jeunes et intermittents du spectacle ont réalisé un film intitulé L'amour en bas des tours. Dénonçant le manque d'ouverture d'un grand frère, « Noir », qui refuse que sa sœur sorte avec un « Arabe », le film aborde un sujet peu traité par le cinéma français. Si Djamel Bensalah a tourné Neuilly sa mère !, que Rabah Ameur-Zaïmeche a filmé l'Aveyron (Les chants de Mandrin) ou que Abdellatif Khechiche a reconstitué Picadilly pour Vénus Noire, c'est avant tout en filmant la banlieue (Le ciel, Les oiseaux et ta mère, Wesh wesh, L'esquive…) que ces auteurs se sont fait (re)connaître. Sceptiques, les acteurs du Masque Calao s'interrogent. Faudrait-il nécessairement que « les jeunes de banlieue fassent des films en banlieue » ?

Mille visages sur la croisette

Du 25 au 27 mai 2012, 10 jeunes de 15 à 18 ans de l'association 1000 Visages participeront au Festival de Cannes. Objectif : réaliser un docu-reportage de leur expérience personnelle. Leur film Le commencement sera projeté au Palais du Festival le 25 mai 2012.

Les foyers font leur cinéma

Caroline Trouillet — 2012-05-15T15:15:29Z

Pour la 4e année consécutive, au mois de juin, l'Association Attention Chantier organise le Festival de cinéma des foyers. Sept foyers de travailleurs migrants de Paris et sa banlieue deviennent des lieux de projections, de débats, de concerts et d'expositions photo… Un festival qui reflète la vitalité culturelle et citoyenne des foyers.

Le premier Festival de cinéma des foyers, c'était à Saint-Just, un foyer de travailleurs migrants parisien coincé entre le périphérique et le cimetière des Batignolles, mais bouillonnant d'énergie. Des liens se tissent entre ses habitants, des hommes originaires pour la plupart d'Afrique sub-saharienne, et l'association Attention Chantier, qui propose des ateliers artistiques et ludiques autour du cinéma et de la photo. En octobre 2009, pour son premier festival, ce foyer devient alors un lieu de rencontre entre habitants du quartier et des foyers voisins, autour du cinéma. « On aurait pu faire du théâtre ou des marionnettes, le cinéma était un prétexte pour susciter la rencontre », explique la coordinatrice Adeline Gonin. Deux ans plus tard, le festival rassemble près de 2 000 personnes dans 6 foyers, dont un tiers venant de l'extérieur.

Un festival tout en échos

A chaque édition, un thème particulier. En 2010, les indépendances africaines, puis en 2011, l'engagement politique des migrants étaient à l'honneur. Cette année, 11 courts et longs métrages aborderont le thème de la résonnance. Résonnances entre pays, résonnances entre ici et là-bas, ce thème fait écho aux aspirations révolutionnaires de la jeunesse africaine et reflète la présence transnationale des habitants des foyers. De jeunes artistes africains s'arment aussi d'une caméra, à l'instar d'Adama Camara. Ce jeune slammer fait partie de cette génération « en colère » dit-il. Il interpelle son père dans une chanson dont le clip, réalisé par le collectif Tribudom, sera projeté au foyer Saint-Just.

Lieux de brassage culturel

Attention Chantier refuse d'apparaitre comme un « prestataire culturel », qui imposerait une programmation culturelle dans les foyers. L'association, qui compte une dizaine de bénévoles et 2 salariés, cherche avant tout à valoriser les initiatives existant dans les foyers : « Les foyers sont des hauts lieux culturels, presque des ambassades. De nombreux groupes de musique y sont nés, et si l'on veut savoir ce qui se passe en ce moment au Mali, c'est là qu'on apprend tout » martèle Adeline Gonin.

Si le festival entend bousculer la représentation des foyers comme enclaves culturelles, il permet aussi de favoriser l'accès de ses habitants au cinéma. Sekou, jeune Malien qui a savouré le dernier festival au foyer Bisson, explique que ce loisir est bien trop coûteux pour la plupart des résidents : « Il faut encourager ce genre de festival, introduire le cinéma dans les foyers. Mais j'aimerais aussi que soient diffusés des films qui parlent d'autre chose que de ce que nous vivons au quotidien : les migrations et l'Afrique ». L'objectif d'Attention Chantier est justement de laisser progressivement la main aux jeunes résidents qui s'investissent déjà de plus en plus d'une édition à l'autre.

Où et quand ?

Retrouvez l'ensemble de la programmation du Festival de cinéma des foyers, du 2 au 24 juin sur attentionchantier.org

Canal Marches avec les quartiers populaires

Julien Le Gros — 2012-05-15T15:15:27Z

Cent messages vidéos d'habitants de quartiers populaires d'Ile-de-France sont diffusés du 9 au 13 mai à la Maison des métallos à Paris. Durant trois ans, l'association Canal Marches a recueilli ces paroles dans le cadre d'une université populaire audio visuelle. Un travail citoyen au long cours.

« Nous avons voulu donner la parole aux sans-voix par la vidéo, raconte Peggy Hartmann, membre de l'association parisienne Canal Marches, à l'initiative du projet d'Université populaire audiovisuelle (UPOPA). Les jeunes, les femmes, les personnes issues de l'immigration, les sans-papiers, les chômeurs. Ceux qui n'ont pas accès aux mass-media, à la place desquels on parle et qui n'ont pas d'accès direct à la parole. » Pour atteindre ce but et permettre aux gens de différents quartiers populaires, comme celui de Danube dans le 19e arrondissement, de s'exprimer, les membres de Canal Marches ont trouvé une idée astucieuse : une cabine d'expression libre. « Il s'agit, explique Peggy Hartmann, de quatre planches, quatre murs, un endroit assez confiné où une personne est invitée à venir prendre la parole et exprimer ce qu'elle souhaite dire : un coup de gueule, sa colère, ses rêves, ses espoirs, un poème, une chanson, un message, une annonce. »

Espace de liberté

L'exercice est un véritable espace de liberté où chacun est invité à prendre la parole, dans les limites de la bienséance. Les réactions recueillies sont hétérogènes et offrent un regard doux-amer sur notre société. Les histoires s'enchaînent mais ne se ressemblent pas, selon Peggy Hartman : « Une personne handicapée demande un accès facilité à l'emploi. Une petite fille demande que l'eau de la piscine soit plus chaude. Des personnes se battent pour leur quartier dont les immeubles vont être transformés en bureaux. Des femmes lancent un appel aux femmes battues pour les encourager à porter plainte. » Parmi elles, Sarah Oussekine, participante et co-fondatrice de l'association Voix d'elles rebelles à Saint Denis : « J'ai poussé un coup de gueule, car en accompagnant des femmes en difficulté, je me suis aperçue qu'il y avait plein de dispositifs d'aide mais que tout ce beau monde avait été incapable d'aider une femme vulnérable, sourde, victime d'esclavage moderne ! »

Initiation à la réalisation

Mais les participants, parfois membres d'associations de soutien aux habitants des quartiers populaires, ne se contentent pas de raconter leur vie. Ils s'initient également à l'outil cinématographique, au montage et à la prise de vue. Pour Eva Allouche, membre de l'association sarcelloise Du côté des femmes, il s'agit de « pouvoir faire ensuite (s)es propres films. Pouvoir enseigner à (s)on tour aux femmes de l'association pour qu'elles puissent créer leur propre moyen de communiquer. » Les intervenants de Canal Marches, professionnels de l'audiovisuel pour la plupart, initient également des jeunes à la réalisation. « Ils connaissent ainsi les tenants, les aboutissants, l'éthique qu'il faut avoir dans ce métier pour ne pas trahir les personnes interviewées », raconte Peggy Hartmann. Rendez-vous donc à la Maison des métallos pour découvrir le travail au long cours, citoyen et militant, de Canal Marches.

En savoir plus :

Découvrez les vidéos 100 messages d'habitant(e)s des quartiers populaires, réalisées par l'Université populaire audiovisuelle (Upopa) de Canal Marches du 9 au 13 mai à la Maison des Métallos (94 rue Jean-Pierre Timbaud. 75011 Paris). Au programme : projection, débats, rencontre avec Christophe Cordier et Corinne Mélis, réalisateurs du documentaire D'égal à égales et participation libre à la cabine vidéo d'expression libre.

Pour plus d'info : upopa.org

Ridan interpelle la République

Anne Bocandé — 2012-05-15T15:14:56Z

Au cœur de la présidentielle, Ridan sort son 4ème album. Sur un ton plus révolté que dans les précédents, le chanteur français se dévoile dans Madame la République comme un citoyen préoccupé par les politiques d'intégration.

« Madame la République française aurais-je le droit de dire ce que j'en pense, si ce n'est pas le cas je le prendrai comme le devoir de ma conscience ! » Nadir Kouidri, alias Ridan, donne avec cet extrait le ton de son nouvel album Madame la République, sorti à quelques jours du premier tour des élections présidentielles. A 37 ans, le chanteur français, qui a fait ses débuts dans la production de chanteurs de rap, signe ici un album volontairement plus engagé et politique. Discret au premier abord, celui qui se décrit en musique comme « le p'tit Arabe de la chanson française / Qui chante la vie des autres dans la langue de Molière » [1] débite avec entrain tout autant ses colères que ses espoirs.

Plus citoyen qu'artiste

« Je me moque de mon image. Je ne veux pas que mon pays devienne facho tout simplement ». Il s'invite dans la présidentielle avec une chanson contre le Front national et prend la Bastille aux côtés du candidat Jean-Luc Mélenchon (Front de Gauche). Défendant également en musique l'idée d'une nouvelle République, Ridan se défend d'être récupéré politiquement : « Je suis simplement aujourd'hui plus citoyen qu'artiste. Je m'oppose aux candidats qui veulent faire croire qu'il y a un bouc émissaire, qui racialise l'extrémisme comme s'il n'était pas de toutes les cultures. »

Un artiste engagé en somme. « Toute création est, selon moi, engagée. Je pose des questions : « Est-ce qu'il y a une place pour la diversité sociale en France ? » Ridan a grandi à Chelles, les histoires d'exclusion, il en parlait déjà dans ces trois premiers albums. Cette fois, c'est de manière plus frontale : « C'est un cheminement. Mon premier album était celui d'un citoyen qui se demande s'il doit faire le choix de sa vie ou celui de ses rêves. Le deuxième explorait la confrontation de l'homme avec la difficulté existentielle. Dans le 3ème, c'est simplement l'acceptation de l'un et l'autre : on doit trouver un équilibre et accepter ce que l'on est. »

Album indépendant

Au quotidien, il soutient ainsi des associations comme ACLEFEU. « La banlieue bouillonne d'idées. On les détruit en faisant un espace de toutes les peurs. » « Votre République d'exclusion est une honte pour la nation tout comme celle d'intégration qui va céder sous la pression » [2] chante-t-il, en dénonçant les politiques qui sous estimaient les révoltes sociales de 2005. Quant à sa vie d'artiste, il l'imagine plus proche de ses préoccupations. Fini les majors. Il a enregistré ce nouvel album de manière indépendante et le vend à « un prix citoyen » : 8 euros. « J'essaie d'être cohérent. Je ne prône pas le changement pour rouler en Rolls et faire deux galas de charité par an pour me donner bonne conscience. » Pour Ridan, « l'art a un vrai rôle à jouer dans la conception démocratique. La culture est primordiale pour l'hygiène mentale. » A quand l'engagement politique ? « L'engagement politique commence à 18 ans avec le droit de vote. Ensuite, j'aspire à ce que le pays change. »

[1] « Le Syndrome du P'tit Beur », extrait de l'album Madame la République.

[2] « Madame la République », extrait de l'album Madame la République.

Disco express :

2004 : Le Rêve ou la vie (Sony Music) / 2005 : Prix de la Révélation aux Victoires de la musique / 2007 : L'Ange de mon démon (Sony Music) / 2009 : L'un est l'autre (Sony Music) / avril 2012 : Madame la République

L'Afrique fait sens en visant tous les sens

Gérald Arnaud — 2012-05-15T15:14:23Z

Gastronomique, intellectuel, ludique, musical et visuel, le festival parisien L'Afrique dans tous les sens jongle avec tous les arts. Pour sa 3e édition, il essaime dans le 93 et, parmi une quinzaine de pays, honore la Guinée, berceau de la civilisation mandingue.

En 1960, l'an des indépendances, sortait chez Présence Africaine un livre fondateur : Soundjata ou l'épopée du Mandingue. Pour la première fois, un épisode essentiel de l'histoire africaine était raconté selon la tradition orale, transmise par les griots à un jeune historien guinéen. Djibril Tamsir Niane a aujourd'hui 80 ans. Il est le parrain du festival L'Afrique dans tous les sens, du 17 au 27 mai, qui honore son pays natal : la Guinée. Il y sera accueilli par son disciple, le dramaturge Suleymane Koly : belle occasion de rencontrer deux figures de cette culture, exemplaire par la façon dont elle a toujours su évoluer harmonieusement.

La musique en héritage

Soundjata Keïta, héritier du royaume mandingue (actuelle Guinée) fut le fondateur (au XIII° siècle) de l'Empire du Mali. Il n'a guère duré, mais sa culture et sa langue rayonnent encore au XXI° siècle dans toute l'Afrique de l'ouest, grâce aux djeli (griots) conteurs et musiciens qui appartiennent à une douzaine de familles, dont les plus fameuses sont les Diabaté et les Kouyaté. Le griot attitré de l'Empereur Soundjata était un Kouyaté, et 800 ans plus tard le festival en accueille deux héritiers : Lamine, chanteur baryton de Casamance, virtuose de la kora (la harpe mandingue) et Kaabi, le digne fils de Kouyaté Sory Kandia, génial ténor qui enregistra l'épopée mandingue et enchanta l'Afrique jusqu'à sa mort en 1977.

Quant aux Diabaté (ou Dioubaté) ils sont aussi bien représentés, avec Kandé, superbe chanteuse qu'on a souvent écoutée aux côtés de Mory Kanté ou de Salif Keita ; et surtout avec Sekouba, le ténor charismatique, star incontestée de ce festival. Son surnom « Bambino » lui colle à la peau. Il avait à peine quinze ans quand le dictateur Sékou Touré, ébloui par sa voix, exigea qu'il devienne le soliste du Bembeya Jazz de Guinée (seul survivant aujourd'hui parmi les big bands africains des années 1960). Sekouba Bambino est devenu ensuite le principal soliste du fameux groupe de salsa Africando.

De la Guinée à Madagascar

Si la musique n'est plus une activité réservée aux griots, leur influence continue d'enchanter par leur inimitable style vocal toute la culture de l'Afrique de l'ouest, celle du reggaeman Naby (né au Sénégal de père guinéen) comme celle de Reicha Souaré, admiratrice de Miriam Makeba. C'est aussi le cas chez les Espoirs de Coronthie : ce groupe né dans les années 2000 a choisi de porter le nom de son quartier, l'un des plus pauvres de Conakry. Il chante les problèmes de la société urbaine en privilégiant les instruments des griots : balafon, djembé, kora, etc.

Le festival accueille d'autre part des artistes importants venus d'autres pays comme l'Afrique du Sud (Sam Tshabalala), le Bénin (Fafa Ruffino), Madagascar (Mikea), le Maroc (Aziz Sahmaoui), le Sénégal (Habib Faye, Omar Pene, Touré Kunda), ou la RDC (Freddy Masamba, Papa Noël). Les héritiers transatlantiques du monde mandingue sont là aussi, comme le formidable tambourinaire guadeloupéen Sonny Troupé. Même la mode n'échappe pas à la tradition mandingue, comme le prouve le guinéo-sénégalais Sadio-Bee, apôtre du « mix-tissage ».

Dans l'épopée de Soundjata, deux thèmes reviennent : amitié et amour, entre les êtres, entre les peuples.

Où et quand ?

Festival L'Afrique dans tous les sens, à Paris et en Seine-Saint-Denis, du 17 au 27 mai 2012. lafriquedanstouslessens.com

Rayonnante Fleur de Béton

Alice Lefilleul — 2012-05-15T15:13:28Z

Le premier roman de Wilfried N'Sondé, Le Cœur des enfants léopards, l'avait révélé au grand public. Dans Fleur de Béton, cet écrivain-musicien explore une nouvelle fois l'univers de la banlieue. Un roman d'apprentissage remarquable qui vient de paraître chez Actes Sud.

Rosa Maria rêve, grandit, avance, se heurte à la vie si dure de la cité imaginaire des 6000 en région parisienne où elle passe son adolescence. Rosa Maria, c'est l'héroïne du dernier roman de Wilfried N'Sondé. Né au Congo, vivant à Berlin depuis une dizaine d'années, ce musicien et chanteur est aussi l'auteur de trois livres dont le premier, Le Coeur des enfants léopards, s'est fait remarqué en remportant différents prix littéraires.

Entre rêves et espoirs

On retrouve dans Fleur de béton la langue ciselée de N'Sondé. Les phrases sont belles et les mots justes pour décrire des personnages âpres et leurs réalités violentes. La jeune Rosa Maria est entourée de figures belles mais douloureuses. Mouloud, grand frère par procuration qui ne sait quels mots poser sur son mal être, Jason qu'elle aime comme on aime à 15 ans – viscéralement et en secret, Marguerite dite Margarine qui vend sa beauté au fond des caves en rêvant d'y échapper pour toujours. Il y a enfin la famille de Rosa Maria, exilée aux 6000 dans l'espoir brisé d'y trouver une vie meilleure, et qui n'y récolte qu'amertume.

L'héroïne, fragile et solaire, traverse le roman comme elle traverse la vie : elle domine ceux qui voudraient l'écraser, flottant loin au-dessus du marasme quotidien. Rosa Maria porte le deuil d'un grand frère adoré mort dans d'étranges circonstances. Elle n'aime pas le lycée et va au Black Moove, boite clandestine installée dans une cave où se retrouvent les jeunes du quartier pour danser et libérer leur envie de vivre. Le jour où la police décide de fermer le club souterrain la jeunesse gronde et se déchaine.

Savoir dire non

Les habitants de la cité des 6000 prennent vie sous la plume de Wilfried N'Sondé. Ce sont des personnages denses, dépassant les clichés de violence souvent véhiculés par les médias. L'écrivain alterne sans cesse réalisme et rêve, en un va-et-vient entre ce que vivent ses personnages et ce qu'ils projettent. Le récit de Wilfried N'Sondé est un roman d'apprentissage des temps modernes. Rosa Maria découvre ce qu'est aimer, devenir une femme, perdre ceux qu'on aime. Mais elle apprend surtout à dire non à une vie dont elle ne veut pas.

Wilfried N'Sondé :

1969 : Naissance au Congo avant de grandir en France puis de s'installer à Berlin. / 1977 : Le Coeur des enfants-léopards (Actes Sud), lauréat du Prix des cinq continents de la Francophonie et du Prix Senghor de la création littéraire. / 2010 : Le Silence des esprits (Actes Sud) / Mai 2012 : Fleur de Béton (Actes Sud).

Rencontres d'Arles : l'Afrique en lice pour le prix Découverte

Afriscope — 2012-05-15T15:12:52Z

Les Rencontres photographiques d'Arles fêtent, du 2 juillet au 23 septembre, les 30 ans de l'école Nationale Supérieure de la Photographie (ENSP). A cette occasion, ce sont les directeurs de grandes écoles de la photographie dans le monde qui ont nominé les lauréats du prix Découverte. En lice, quatre photographes africains : Sammy Baloji, Hasan et Husain Essop, Zanele Muholi.

Quatre photographes africains concourent au prestigieux prix des Rencontres photographiques d'Arles : le Prix Découverte. Celui-ci récompense un photographe dont le travail a été récemment découvert ou mérite de l'être. En lice pour décrocher le précieux pactole de 25 000 euros, le congolais Sammy Baloji, les frères jumeaux Hasan et Husain Essop, et Zanele Muholi, tous trois originaires d'Afrique du sud.

Ces quatre artistes doivent leur nomination au directeur de l'école de photographie de Johannesburg : le Market Photo Workshop. John Fleetwood fait en effet partie du panel international choisi pour ce prix à l'occasion des trente ans de l'école Nationale Supérieure de Photographie d'Arles. Le directeur sud-africain est notamment connu pour avoir initié l'unique cursus de formation de photographie documentaire en Afrique.

Des photos de société

Ce n'est donc pas un hasard si les quatre artistes sélectionnés pour les Rencontres d'Arles se démarquent par des sujets de société avec une approche documentaire. Sammy Baloji, originaire de Lubumbashi en République Démocratique du Congo a débuté par la bande dessinée avant de se tourner vers la photographie. Depuis, il travaille sur l'héritage culturel, industriel et architectural de sa région, le Katanga. Il présente à Arles une série, intitulée « Kolwezi » où il documente l'extraction minière artisanale et « montre ainsi le portrait d'une économie globalisée » selon John Fleetwood.

Également nominée, Zanele Muholi, photographe sud-africaine, est diplômée du Market Photo Workshop. « Mon travail est une exploration qui vise à créer, tracer les contours, protéger l'histoire visuelle des lesbiennes et queer noir-africains après l'Apartheid, en Afrique du Sud » explique cette artiste militante à propos de sa série présentée au Prix Découverte « So they have eyes to see ». Elle fait un inventaire de cette diversité, refusant l'ignorance et défiant toute représentation trop restrictive que l'on pourrait avoir de « l'autre » ajoute Fleetwood.

Quant aux frères jumeaux sud-africains Hasan et Husain Essop, nés en 1985, ils questionnent, dans leur série « Power play, Halaal art », le rôle de l'individu dans la société et, la place de la religion musulmane au sein de sociétés de consommation occidentale. Il faudra attendre la soirée du 6 juillet pour connaître le lauréat 2012 du Prix Découverte. Sammy Baloji, Zanele Muholi et Hasan et Husain Essop succèderont-ils à Pieter Hugo, autre photographe sud-africain primé en 2008 ?

Où et quand ?

A travers une soixantaine d'expositions, cette 43e édition des Rencontres d'Arles promeut encore une fois la photographie contemporaine. Festival de référence d'envergure internationale, l'édition 2011 a rassemblé près de 84000 visiteurs. Découvrez les expositions des photographes nominés au Prix Découverte, du 2 juillet au 23 septembre.

Plus d'info sur : rencontres-arles.com

Jokali, des sacs tout en musique !

Anne Bocandé — 2012-05-15T15:12:45Z

Avec ses sacs personnalisés à partir de vinyles, Kalilou Camara a créé sa marque en 2009 : Jokali. Surfant sur la vague vintage et équitable, il développe ses créations entre Montreuil et Bamako. Rencontre avec un passionné de la débrouille.

Rien ne le prédestinait à la mode si ce n'est une perpétuelle envie de créer et de se dépasser. De son enfance au Mali Kalilou Camara raconte : « Je créais toute sorte d'objets à partir de ce que je récupérais dans la rue ». Déjà des « oeuvres d'art » vendues pendant le Paris-Dakar : « le Paris-Dakar, c'était le père Noël pour nous. Certains payaient 100 francs pour une voiture en canette. ». A 15 ans, il quitte Kayes pour rejoindre son père en France. « J'ai vécu avec lui, deux ans, dans un foyer de travailleurs migrants de Montreuil. ». Déterminé à poursuivre des études en mécanique, Kalilou devra pourtant abandonner son cursus, faute de régularisation. Un garage accepte toutefois de l'employer.

Des voitures aux sacs vintage

Des voitures miniatures, cet autodidacte s'attaque donc aux « vraies » sans pour autant délaisser l'univers de la création. « Un jour, j'ai vu une émission sur un homme qui faisait des avions miniatures. J'ai dit à mes amis : je peux faire mieux que ça ! » Une fois le défi lancé, il réalise un avion à partir de cintres puis en 2001, à l'heure de l'effondrement des Twins Towers aux Etats-Unis, il construit un avion avec des journaux du monde entier relatant l'évènement. La presse s'en fait l'écho.

Kalilou commence discrètement à créer son style, son identité de créateur. Il est repéré par la Mairie de Montreuil qui l'invite à exposer. Mais Kalilou a des rêves plus grands. La mode « sap » l'intéresse de plus en plus. Les sacs en canettes constituent ses premières créations en la matière. En 2009, il crée sa marque : Jokali, avec le vinyle comme signature. Les premiers sacs sont en cuir. « Travailler le cuir et le vinyle est une manière de toucher le plus de monde possible ». Coup de chance ou du destin : le vintage revient à la mode. Les clients « de toutes générations » s'intéressent à ses sacs, choisissent leurs vinyles. Le rock des années 70 et le reggae ont le vent en poupe.

Commerce équitable

Parce que le business de la mode se définit, pour le moment, en Occident, Jokali garde un pied en France mais l'autre bien implanté au Mali. Une dizaine de personnes travaillent pour sa marque à Bamako. Aux questions soulevées sur le coût de la main d'oeuvre et des matières premières, il rétorque : « Je veux contribuer à l'emploi dans mon pays. Mes artisans sont bien payés. Nous utilisons du cuir souple que l'on trouve là-bas et des teintures de pigments naturels ». Des critères qui assurent la distribution de ses produits dans des boutiques attachées à l'éthique. Pour le moment, les retours sur investissement restent fragiles. Il se rallie à des collectifs tel que Hautlesarts qui s'attèle à rechercher des lieux d'exposition à moindre coût. Une visibilité en expansion avec des magasins à Paris et dès le 6 juin à Marseille.

Et en Afrique ? « Le problème : le vinyle ne supporte pas les grandes chaleurs. Sur le grand continent, j'aimerai qu'il devienne un produit du soir en l'adaptant avec des accessoires ». Des projets plein la tête, Kalilou pense déjà à une ligne de vêtements. Dans tous les cas, ce qui l'anime profondément : « Montrer à travers mes créations l'Afrique qui crée, l'Afrique en mouvement, l'Afrique ouverte sur le monde ».

Où trouver les sacs Jokali ?

Retrouvez l'adresse de son atelier et des magasins sur jokali.fr

Afriscope 26 en français facile (cahier 12)

Afriscope — 2012-05-15T08:41:43Z

- Français facile